El uso de la Luz en el Renacimiento

RENACIMIENTO

INTRODUCCIÓN

Situación cronológica y espacial. Cambios:

Políticos:

·         Desarrollo de la monarquía autoritaria.

·         Formación de Estados unificados modernos.

Económicos:

·          Inicios del capitalismo.

·         ideológicos:

·         Humanismo, el hombre es centro del universo frente a la teoría medieval. Espíritu crítico: avances científicos, reformas religiosas.

·         Afán de conocimientos: descubrimientos geográficos.

CARACTERISTICAS GENERALES

·         Surge en Florencia en el siglo XV extendiéndose por el resto de Europa y adoptando algunas particularidades exclusivas de las distintas nacionalidades.

·         Causas de su aparición en Italia: tradición grecorromana, escaso arraigo medieval, desarrollo urbano tanto político como económico y social.

·         Representa una nueva concepción del hombre y de la naturaleza con respecto a la Edad Media.

Los dos rasgos más característicos del Renacimiento son:

Humanismo:

·         Antropocentrismo: todo se estudia con referencia al hombre.

·         Individualismo: el hombre se define por su individualidad frente a la idea de colectividad de la Edad Media.

·         El nuevo ideal humano es el hombre completo, armónicamente desarrollado.

·         Racionalismo: frente al sobrenaturalismo medieval, el hombre renacentista confía en la razón humana como fuente autónoma de conocimientos.

Naturalismo:

·         

Se valora a la Naturaleza en si misma, no en cuanto creada por Dios.

·         Adquiere una dimensión la consideración social del artista que pasa a ocupar un puesto destacado en la sociedad.

·         Nuevo concepto de belleza: se considera al arte más como pura recreación del espíritu que como expresión del pensamiento religioso. La belleza de las formas sustituye al expresionismo medieval.

·         Importancia de la perspectiva.

PINTURA

Características

·       

  Interés por la figura humana, por la representación del espacio y de la luz.

·         Búsqueda de tipos ideales de representación.

·         Los temas reflejan el creciente interés por el hombre y la naturaleza: temas religiosos y profanos , retratos ( enmarcados en fondos arquitectónicos o paisajísticos.)

GRANDES MAESTROS DE LA PINTURA

Masaccio

- Prescinde totalmente del goticísmo.

- Fondos muy trabajados: se abandona lo anecdótico. Difumina los contornos y crea efectos de luz y sombra para aumentar la sensación de profundidad.

- Modela las figuras mediante los juegos de luz y sombra.

Botticelli

- Composiciones melancólicas e idealistas.

- Gran dibujante: predomina la línea sobre el color. Dibujo nervioso de líneas ondulantes que forman arabescos.

- Prestó especial atención a la figura femenina.

Leonardo Da Vinci

- Parte del principio de que la pintura no puede alcanzar el ideal de belleza si no deriva de un sistema compositivo sometido a reglas y normas. Plantea la necesidad de una síntesis de todos los componentes de la pintura: composición, perspectiva, proporción, luz y color.

- Creador del sfumato o “difuminado”: los perfiles se desdibujan, fundiéndose figuras y espacio en una misma atmósfera. Esto se consigue mediante el paso gradual de la luz a las sombras, de los colores vivos a los apagados. El contraste de luces y sombras da volumen a las figuras. Para Leonardo toda cosa lejana al pintor debe ser considerada como inmersa en el aire, el cual tiende a dulcificar los contornos, a fundir las masas, a tonalizar el color.

- Los rostros presentan una dulce y enigmática sonrisa.

- Su concepción del claroscuro como una lenta fusión del negro y del blanco y no como una lenta gradación de tonos coloreados, será el origen del tenebrismo barroco.

Miguel Ángel

- Muy influido por su carácter de escultor.

- El tema básico es la figura humana

Rafael

- Dibujo preciso y colores claros.

- Figuras blandas, de suave modelado y mirada ensoñadora.

- Composiciones simétricas y ordenadas en amplios escenarios.

- Retratos.

Algunas imágenes de pinturas Renacentistas:

Arte Gótico uso de la Luz

Comparación del uso de ésta con el Arte Románico

El estilo gótico comprende desde el final del siglo XII hasta el siglo XVI. Nace en Francia y se extiende por toda Europa y parte de Oriente como consecuencia de las cruzadas. Sucedió al Románico y fue denominado por los hombres del Renacimiento, despectivamente, como bárbaro o propio de godos por el contraste con la serenidad armónica del arte italiano. Como cualquier otra manifestación artística hay que situarla en un contexto histórico y cultural determinado.

Éste período comienza en la Baja Edad Media, en su mayoría en el siglo XIII, éste se va a presentar con cambios en todos sus aspectos, desde lo filosófico hasta su arquitectura, con respecto al período anterior.

Durante estos siglos se produce un resurgir de las ciudades y, en ellas, la catedral es un edificio fundamental. En la ciudad aparece un grupo social nuevo, la burguesía, que activa la economía mediante la artesanía y el comercio. Por otro lado, se producen unos cambios espirituales y religiosos, que aproximan a Dios al hombre, es un nuevo concepto de Dios como creador de la Naturaleza. 

Desde el punto de vista filosófico, también se producen cambios. Se abandonan las ideas platónicas y agustinianas y se sustituyen por las aristotélicas y las de Santo Tomás de Aquino. Surgen figuras como San Francisco de Asís, que en lugar de basar la religión en el temor a Dios, lo hace en la humildad, la pobreza y la compasión. Todo ello trae una nueva mentalidad religiosa, que concibe a Dios como Padre, no como Juez.

Los nuevos edificios religiosos se caracterizan por la definición de un espacio que quiere acercar a los fieles, de una manera vivencial y casi palpable, los valores religiosos y simbólicos de la época.

El emblema del arte gótico es la catedral, donde se dan cita todas las artes, tendencia que viene del románico. Encontramos una humanización de los tipos religiosos, que son mucho más naturales. Se pasa de la Virgen reina a la Virgen madre, al Cristo juez a Dios Padre.

Ahora se ve en la naturaleza la obra de Dios, la creación, y la belleza nos acerca a Dios. Pero también aparecen edificios civiles en las ciudades, los palacios, los ayuntamientos y las lonjas. La catedral se va a llenar de luz, y es la luz la que conforma el nuevo espacio gótico.

Será una luz física, no figurada en pinturas y mosaicos, luz general y difusa, no concentrada en puntos y dirigida como si de focos se tratase, a la vez que es una luz transfigurada y coloreada mediante el juego de las vidrieras, que trasforma el espacio en irreal y simbólico.

La luz está entendida como la sublimación de la divinidad. La simbología domina a los artistas de la época, la escuela de Chartres considera la luz el elemento más noble de los fenómenos naturales, el elemento menos material, la aproximación más cercana a la forma pura.

El arquitecto gótico organiza una estructura que le permite, mediante una sabia utilización de la técnica, emplear la luz, luz transfigurada, que desmaterializa los elementos del edificio, consiguiendo sensaciones de elevación e ingravidez.

La Luz en este período era en acercamiento a Dios Padre, los murallones desaparecen, éstos son reemplazados por ventanales enormes, dejando que la Luz divina llegue a todas las personas. También, podemos observar que en éste período, las estructuras son altísimas y terminan en punta, esto era porque mientras más altas sean las catedrales los palacios y edificios, “más cerca de Dios estarán.”

En el arte románico, el muro se oponía a la luz, impedía su paso, sumiendo el interior de los templos en una atmósfera sombría y de recogimiento. En el gótico ocurre todo lo contrario, la luz penetra al interior de las iglesias, fundiéndose con el muro y convirtiendo el interior en espacios claros. El muro pierde la función de soporte y se emplea como cerramiento, abriéndose en él ventanales con vidrieras  buscando, no en sentido figurado, sino real, la "Luz Divina" que recordaba San Agustín.

En la arquitectura románica la sombra triunfa sobre la luz, (gruesos muros), los interiores son oscuros.

Para hablar del Arte Gótico y sus características simbólicas y religiosas, tenemos que irnos al período anterior llamado Arte Románico en Europa Occidental.

Éste período comienza aproximadamente, en el siglo XI y dura hasta mediados del siglo XIII, es llamado así porque la sociedad que lo consolidaba pretendía seguir desarrollando las bases artísticas del Impero Romano y trataron de mantener la misma lengua, aunque ésta con el tiempo se fue distorsionando hasta llegar a un vulgar Latín.

En cuanto a los criterios artísticos de esta época podemos decir que  “…Es el primer arte europeo cristiano unitario. Causas: las peregrinaciones, los monasterios (orden monástica benedictina). Por ejemplo: Monasterio de Cluny…”

En el año 1000 se produce una mayor unificación de la Iglesia y el pueblo se acerca más a ésta, lo cual, todo va a girar en torno a la Religión.

 El Arte, por su parte, se va a convertir en transmisor de la espiritualidad “palabra de Dios y temor a la ira de Dios” de estos siglos.

Iconográficamente, las iglesias reflejan el temor a Dios, el miedo al pecado y la salvación. Las plantas al tener la entrada por los pies, señalan el camino de la salvación hacia el altar y la oscuridad crea el clima apropiado para la oración y temer a Dios Todopoderoso.

Con respecto a la arquitectura del momento era muy natural, la implementación de los murallones, paredes de escasa altura pero si edificios largos, si observamos en las imágenes, nos daremos cuenta que, la luz dentro de las iglesias y casas era poca, esto como todo lo del momento, tiene que ver con la luz divina, "si había mucha luz era Dios quien estaba dentro de tu casa y podía observar todo lo que hacíamos y podíamos ser castigados"

Iglesia románica de San Martín de Frómista                      - Fachada de Santo Domingo de Soria (Palencia)

Dios, en este período era muy temido, ya que, él era el que juzgaba a las personas, si liberarlos del pecado o ser castigados,  la paranoia del momento que tenía la sociedad llevaba a la arquitectura a desarrollarla de esta manera, en cuanto, los elementos más utilizados y que se destacan son, los murallones, los arcos de medio punto, las bóvedas, y el Rosetón, (ventanal circular que representa a la Virgen María y que servía para iluminar). Los edificios que más se van a destacar van a ser las iglesias.

• De peregrinación: situadas en las grandes ciudades europeas y en las de peregrinación. Tienen una tribuna o triforio en la nave transversal. Pueden terminar en ábsides o en absidiolos.
• De carácter espiritual y representativo: cara elemento tiene su significado. El crucero = la bóveda celeste; la cruz = el cuerpo de Cristo; los muros = la gente.
• Monasterios: eran el núcleo que aglutinaba a la población rural. Tiene dos zonas principales: la Iglesia (con las mismas características que las iglesias de peregrinación, y que se sitúa al Norte) y el Claustro (está al sur de la Iglesia. Formada por 4 arquerías y donde están las habitaciones de los monjes, alrededor de un patio central)

Italia:

Interior de Saint Chape

Saint Chappell                                                                             Catedral de Milan

Catedral de Toledo                                                                   Catedral de León

http://historiadelarte07.blogspot.com.ar/2008/08/arte-gtico.html

http://grandespersonajes.foroactivo.com/t189-14-arte-gotico-en-construccion?highlight=arte+gotico

http://www.monografias.com/trabajos91/arte-gotico/arte-gotico.shtml

http://www.historia-del-arte-erotico.com/1478_leonardo_da_vinci/tratado_de_la_pintura.htm

La luz y la sombra en el Barroco

La luz en el Barroco

En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornados en las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras.

"La figura se difumina y la iluminación no es pareja, sino que se ilumina una parte y se oscurece la otra. Este movimiento presenta composiciones que poseen formas abiertas y la unidades no se pueden aislar , los colores se mezclan y su apariencia depende de la luz (...) " - Wolfflin .

El sistema político imperante fue el absolutismo o monarquía absoluta, Francia es su

ejemplo más claro. Inglaterra comenzó siendo una monarquía absoluta pero acabó el

siglo siendo una monarquía parlamentaria.

Tuvo lugar la Guerra de los Treinta Años que enfrentó a numerosos países europeos.

Francia adquirió gran protagonismo y España entró en decadencia.

Con respecto al aspecto social en ésta etapa, las diferencias en las clases sociales eran muy marcadas, donde se dividían:

Nobleza y Clero: Propietarios de las tierras

Alta Burguesía: banqueros, grandes comerciantes, maestros artesanos. Tenían gran

influencia y compraban títulos nobiliarios.

Baja Burguesía: eran universitarios que trabajaban para los reyes como especialistas en

leyes, finanzas, etc. 

Campesinos y artesanos: Clases más desfavorecidas que sufrieron el hambre, las

epidemias, el aumento de impuestos y la crisis económica. Por ello provocaron revueltas

y enfrentamientos.

Su simbolismo en este período

Para los artistas la luz era principal del naturalismo. La luz que representa lo sobrenatural, lo divino está tratada con toda naturalidad, representan símbolos en términos naturalistas. A través de esa luz se insinúa la presencia de lo sobrenatural, aunque no podamos ver ningún ser divino. Este recurso lo utilizan para anunciar a un mortal la presencia de la divinidad, tiene un significado espiritual. Los temas bíblicos se reforzaban mediante la intervención de la luz.

Una de las sensibilidades de los artistas del barroco era intentar captar la luz interior de la persona que se retrataba, para dar vida y expresión a la figura realizada en un lienzo. Esta sensibilidad fue compartida por numerosos retratistas barrocos. 

El Claroscuro en el Barroco

 El claroscuro lo podemos encontrar en otros periodos artísticos pero nunca tan evidente como en el barroco. En ocasiones la diferencia entre superficies iluminadas y no iluminadas es total, apareciendo por ejemplo un rostro o un cuerpo basado en luz y un fondo negro. Sabemos que esto no se da en la realidad puesto que las transiciones luz-sombra son más progresivas y matizadas, pero los artistas barrocos persiguen lo exagerado y brusco, convirtiendo esas transiciones en completos contrastes de algo muy iluminado y lo de al lado totalmente oscuro. Esta técnica permite resaltar lo que se desea y centrar la atención del espectador sobre ello, sin distracciones ni dispersiones.

El uso de la luz por Michelangelo Merisi Caravaggio

Era un pintor proveniente de Italia perteneciente del Barroco, reconocido no solo por su
pintura si no que también por los fuertes episodios que le ocurrieron en la vida. Fue un
artista manierista y rey del tenebrismo, hizo uso del claro oscuro en las figuras y
objetos que pintaba, hacía del realismo su principal objetivo trataba de mostrar un
reflejo del propio espectador. Desde el principio se notaba que le gustaba representar juegos de luces y sombras, las utilizaba para darle volumen y profundidad a los dramatismos que intentaba representar.

El tenebrismo en ese momento estaba caracterizado por los contrastes de luz violentos, se denomino así también por la gran cantidad de sombras y oscuridad que
brindaban esas pinturas. Se utilizaban para darle intensidad, y resaltar el volumen y la
profundidad de los personajes

Rembrandt  

                                                      : 

Una muestra de su excelente trabajo artístico es la mirada que transmite en cada uno de sus autorretratos, con la cual se puede entender el momento que vivió y probablemente los sentimientos que estaban a flor de piel, plasmándolos por medio de la pintura, por ejemplo su familia, Saskia, su hijo Titus y su amante Hendrickje aparecen en sus pinturas. Su obra, influida por la de Caravaggio, se distingue por un uso del color en donde el claroscuro era el predominante, haciendo uso de la luz y la sombra como escenografía, además de su visión dramática y emotiva de temas impersonales llevándolos por medio de la empatía a la visión humana.

Rembrandt pinto más de 600 cuadros produjo numerosos dibujos y grabados. El estilo de sus primeras pinturas, realizadas en la década de 1620, denota la influencia de su maestro, Pieter Lastman, en la elección de temas de gran dramatismo y contrastes muy marcados de luces y sombras.  En El nombre esclavo, obra creada en 1632, se aprecia su predilección por los trajes exóticos, elemento característico de muchas obras de su primera época. Rembrandt fue un intérprete excepcional de la naturaleza humana y un maestro de la técnica, no solo pictórica sino también del dibujo y del grabado. Su obra produjo un gran impacto en sus contemporáneos e influyo en el estilo de muchos artistas posteriores. Es probable que no exista ningún pintor que lo haya igualado en su utilización de los efectos del claroscuro o en el empaste vigoroso.

http://es.slideshare.net/juanfranciscovi/diferencias-entre-el-arte-del-renacimiento-y-del-barroco-wolfflin-heinrich

http://losojosdehipatia.com.es/cultura/arte-2/el-espacio-el-tiempo-y-la-luz-en-el-barroco/

Mitos sobre la Sombra

Sombra en literatura y poesía:

Puede entenderse en el sentido del espíritu o fantasma de una persona fallecida, que reside en el inframundo. La imagen de un inframundo donde los muertos viven en la sombra es común al Antiguo Oriente Próximo. Se decía que sólo muy selectos individuos están exentos del destino de habitar en la sombra después de la muerte, ascendiendo a la esfera divina. Es la apotesis a la que aspiraban los reyes que afirmaban su divinidad.

En la religión de la Antigua Roma:

Existía la creencia de que después que el fallecido fuera enterrado con determinados rituales funerarios, se transformaba en sombra, formando parte entonces de los manes, los dioses familiares de la muerte.

Según la mitología:

Las sombras son muertos vivientes que se forman en las tinieblas y drenan la fuerza a los seres vivos. Su origen es mágico; un mago arrojó una maldición a un muerto enemigo y de ahí surgió la primera sombra. Las sombras merodean desde entonces por ruinas, cementerios y mazmorras. Las sombras habitan entre dos planos; en el plano material primario (en el que vivimos los humanos y el resto de los seres vivos), bajo la forma de una sombra, y en el plano material negativo, bajo la forma del ser vivo que era antes de su muerte. Cuando atacan, su contacto frío hace que se entumezcan las articulaciones de la víctima, que queda casi paralizada, perdiendo, además, los sentidos del olfato, el tacto y el oído. En ese momento, las sombras comienzan a drenar y consiguen dejar a su enemigo sin energía. La víctima pasa al plano material negativo, dejando sólo su sombra en el plano material primario. Algunas víctimas mueren antes de llegar a ser drenadas por completo y, entonces, son abandonadas por la sombra. Algunas de estas sombras se alimentan de la energía que desprendemos del miedo, incluso llevando a la muerte a ciertas personas a través de lo que se conoce como la muerte súbita. Los encuentros suelen ir acompañadas de un sentimiento de temor. Las personas psíquicas a veces pueden distinguir las características de estas sombras.

Creencias populares:

Las sombras como demonios. Sin embargo, hay otros que creen que las sombras serian una manifestación fantasmal para engañar y asustar a la persona, así poder alimentarse de la energía del miedo como se conto con anterioridad. Interpretaciones adicionales se trataría de seres de otra dimensión, personas del futuro, o incluso tendrían una vinculación directa con seres extraterrestres. Algunas personas incluso han informado de que han visto las sombras oscuras antes de la muerte de alguien conocido, y por lo tanto también puede ser visto como "ángeles de la muerte".

Según los científicos:

La ciencia también opina sobre las sombras oscuras, y según los últimos estudios el sujeto mientras duerme puede llegar a observar una de estas sombras oscuras, proyectada por algún objeto de su entorno, o de su imaginación, puede que esto le ocasione no respirar con normalidad, el corazón tiene un aceleramiento inusual, pudiendo llegar al ataque de ansiedad, incluso pudiendo ocasionar un ataque cardiaco, y aquí se explicaría la “Muerte Súbita”. La psicología tiene un nombre para todo esto, “parálisis del sueño”. Sin embargo, muchas personas han visto las sombras oscuras en plena conciencia y a plena luz del día, lo que eliminaría las respuestas lógicas, científicas, y dando paso a nuestros temores

La sombra en el Arte:

La sombra fue uno de los grandes temas del Siglo XVIII pues, en definitiva es producto del comportamiento de la luz. La historia del origen de la pintura y la sombra fue un tema muy popular en todo el continente durante la mitad del Siglo XVIII 

Existe una anécdota clásica (narrada por Plinio el Viejo y Quintiliano) sobre la invención de la pintura a partir de la reproducción de la silueta que marcaba la sombra sobre los muros; y que reproduce Murillo en uno de sus cuadros (Tuvo de la sombra origen la que admiras hermosura en la célebre pintura, 1660)

 No obstante entre los ilustradores españoles no parece que hubiera memoria de estos antecedentes o por lo menos no se hacen eco de ellos. Uno de los que relata la fábula es Rejón de Silva en su poema “A la pintura”:

“La común opinión sobre el origen de la pintura es que viéndose próxima la hija de un Alfafero de Siione, el Peloponeso (o según otros de Corintio) llamada Debutades, a ausentarse de su amante; notó, a la luz de la lámpara, que la sombra retrataba en la pared exactamente el perfil del rostro de su querido; y tomando un carbón, señaló con él aquel entorno, para que consolase su deseo en la ausencia”

Simbolismo de la Luz

Historia

Muchas religiones a lo largo de la historia han relacionado la luz con la divinidad. Unas han adorado al Sol directamente como un ser divino en sí mismo. Otras han asociado la luz con la presencia de seres angélicos elevados o incluso con la naturaleza del mismo Dios. Las tinieblas o la oscuridad por el contrario se han identificado con el mal y con seres demoníacos.

 Sin embargo hoy sabemos que aunque el Sol es un elemento necesario para la vida no es en absoluto un ser divino. Tampoco lo son la Luna ni los demás astros, por más que en la antigüedad se les asociara con divinidades como si fueran la materia física o cuerpo de seres superiores o dioses. Pero persiste actualmente la identificación religiosa o mística del concepto luz con iluminación espiritual, ya que muchas veces se emplea incluso la misma palabra.

Por otro lado la relación entre este concepto de luminosidad y la metafísica medieval es bastante clara. Fue San Agustín quien recordó que a Cristo se le llama Luz Divina propiamente y no en un sentido figurado. Para los siglos XII y XIII, la luz era la fuente de toda belleza visual, así lo entienden, entre otros, pensadores tan distantes y diferentes como Santo Tomás de Aquino y Hugo de San Víctor, que coinciden en afirmar que lo bello participa de dos características, la proporción y la luminosidad. En el resto de la literatura filosófica de la época, se utilizan con frecuencia adjetivos como lúcido,  luminoso y claro para describir la belleza visual, y la belleza, conviene recordar, no era considerada como un valor independiente de los demás, sino como el resplandor de la verdad, es decir, de Dios.

La luz en el Arte

La luz y su percepción visual han sido un elemento importante en las artes plásticas, un componente fundamental para la realización de una obra. Algunos artistas han dedicado un cuidadoso estudio sobre las propiedades de la luz como elemento fundamental y expresivo. Es indispensable una adecuación entre oscuridad y luz en las artes plásticas. 

Hay que considerar además a la luz como elemento configurador de volumen, forma y tamaño de los objetos que se trasladan a una obra de arte , así como de otros tipos de relaciones que existen entre ellos, como el color, la armonía, el claroscuro o el contraste.

 La luz es utilizada en obras de arte para crear contraste en un ambiente o espacio. La iluminación añade variedad visual en un trabajo, provocando interés mientras que ayuda a determinar la disposición de la composición. Una obra de arte puede ser diseñada enteramente alrededor de la técnica de iluminación que utiliza.

 La luz y las sombras se complementan y trabajan en conjunto en una obra de arte. En una pintura que capitaliza la luz, existen vetas y sombras. A veces la luz es más sutil, más difusa y menos definida. Las obras con alto contraste son intensas de un modo emocional, así como también brillantes obras de arte. Las pinturas oscuras son hermosas a través de su misterio.

El uso de la Luz por Leonardo Da Vinci

En 1680 se publica en Italia un “Tratado de la Pintura”, es una serie de notas sobre técnicas, perspectiva, maneras de representar y discusiones en las cuales se entrelaza la ciencia y el arte. En una de sus notas explica de qué forma se debe tratar La Luz en las obras pictóricas:

Qué luz se debe elegir para dibujar, una figura

“Toda figura se debe poner de modo que solo reciba aquella luz que debe tener en la composición que se haya inventado: de suerte, que si la figura se ha de colocar en el campo, deberá estar rodeada de mucha luz, no estando el sol descubierto, pues entonces serán las sombras mucho más oscuras respecto a las partes iluminadas, y también muy decididas tanto las primitivas como las derivativas, sin que casi participen de luz; pues por aquella parte ilumina el color azul del aire, y lo comunica a todo lo que encuentra. Esto se ve claramente en los cuerpos blancos, en donde la parte iluminada por el sol aparece del mismo color del sol, y mucho más al tiempo del ocaso en las nubes que hay por aquella parte, que se advierten iluminadas con el color de quien las ilumina; y entonces el rosicler de las nubes, junto con el del sol, imprime el mismo color arrebolado en los objetos que embiste, quedando la parte á quien no tocan del color del aire; de modo que á la vista parecen dichos cuerpos de dos colores diferentes. Todo esto, pues, debe el Pintor representar cuando suponga la misma causa de luz y sombra, pues de otro modo sería falsa la operación. Si la figura se coloca en una casa oscura, y se ha de mirar desde afuera, tendrá la tal figura todas sus sombras muy deshechas, mirándola por la línea de la luz, y hará un efecto tan agradable, que dará honor al que la imite, porque quedará con grande relieve, y toda la masa de la sombra sumamente dulce y pastosa, especialmente en aquellas partes en donde se advierte menos oscuridad en la habitación, porque allí son las sombras casi insensibles; y la razón de ello se dirá más adelante.”