La luz y la sombra en el Barroco

La luz en el Barroco

En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornados en las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras.

"La figura se difumina y la iluminación no es pareja, sino que se ilumina una parte y se oscurece la otra. Este movimiento presenta composiciones que poseen formas abiertas y la unidades no se pueden aislar , los colores se mezclan y su apariencia depende de la luz (...) " - Wolfflin .

El sistema político imperante fue el absolutismo o monarquía absoluta, Francia es su

ejemplo más claro. Inglaterra comenzó siendo una monarquía absoluta pero acabó el

siglo siendo una monarquía parlamentaria.

Tuvo lugar la Guerra de los Treinta Años que enfrentó a numerosos países europeos.

Francia adquirió gran protagonismo y España entró en decadencia.

Con respecto al aspecto social en ésta etapa, las diferencias en las clases sociales eran muy marcadas, donde se dividían:

Nobleza y Clero: Propietarios de las tierras

Alta Burguesía: banqueros, grandes comerciantes, maestros artesanos. Tenían gran

influencia y compraban títulos nobiliarios.

Baja Burguesía: eran universitarios que trabajaban para los reyes como especialistas en

leyes, finanzas, etc. 

Campesinos y artesanos: Clases más desfavorecidas que sufrieron el hambre, las

epidemias, el aumento de impuestos y la crisis económica. Por ello provocaron revueltas

y enfrentamientos.

Su simbolismo en este período

Para los artistas la luz era principal del naturalismo. La luz que representa lo sobrenatural, lo divino está tratada con toda naturalidad, representan símbolos en términos naturalistas. A través de esa luz se insinúa la presencia de lo sobrenatural, aunque no podamos ver ningún ser divino. Este recurso lo utilizan para anunciar a un mortal la presencia de la divinidad, tiene un significado espiritual. Los temas bíblicos se reforzaban mediante la intervención de la luz.

Una de las sensibilidades de los artistas del barroco era intentar captar la luz interior de la persona que se retrataba, para dar vida y expresión a la figura realizada en un lienzo. Esta sensibilidad fue compartida por numerosos retratistas barrocos. 

El Claroscuro en el Barroco

 El claroscuro lo podemos encontrar en otros periodos artísticos pero nunca tan evidente como en el barroco. En ocasiones la diferencia entre superficies iluminadas y no iluminadas es total, apareciendo por ejemplo un rostro o un cuerpo basado en luz y un fondo negro. Sabemos que esto no se da en la realidad puesto que las transiciones luz-sombra son más progresivas y matizadas, pero los artistas barrocos persiguen lo exagerado y brusco, convirtiendo esas transiciones en completos contrastes de algo muy iluminado y lo de al lado totalmente oscuro. Esta técnica permite resaltar lo que se desea y centrar la atención del espectador sobre ello, sin distracciones ni dispersiones.

El uso de la luz por Michelangelo Merisi Caravaggio

Era un pintor proveniente de Italia perteneciente del Barroco, reconocido no solo por su
pintura si no que también por los fuertes episodios que le ocurrieron en la vida. Fue un
artista manierista y rey del tenebrismo, hizo uso del claro oscuro en las figuras y
objetos que pintaba, hacía del realismo su principal objetivo trataba de mostrar un
reflejo del propio espectador. Desde el principio se notaba que le gustaba representar juegos de luces y sombras, las utilizaba para darle volumen y profundidad a los dramatismos que intentaba representar.

El tenebrismo en ese momento estaba caracterizado por los contrastes de luz violentos, se denomino así también por la gran cantidad de sombras y oscuridad que
brindaban esas pinturas. Se utilizaban para darle intensidad, y resaltar el volumen y la
profundidad de los personajes

Rembrandt  

                                                      : 

Una muestra de su excelente trabajo artístico es la mirada que transmite en cada uno de sus autorretratos, con la cual se puede entender el momento que vivió y probablemente los sentimientos que estaban a flor de piel, plasmándolos por medio de la pintura, por ejemplo su familia, Saskia, su hijo Titus y su amante Hendrickje aparecen en sus pinturas. Su obra, influida por la de Caravaggio, se distingue por un uso del color en donde el claroscuro era el predominante, haciendo uso de la luz y la sombra como escenografía, además de su visión dramática y emotiva de temas impersonales llevándolos por medio de la empatía a la visión humana.

Rembrandt pinto más de 600 cuadros produjo numerosos dibujos y grabados. El estilo de sus primeras pinturas, realizadas en la década de 1620, denota la influencia de su maestro, Pieter Lastman, en la elección de temas de gran dramatismo y contrastes muy marcados de luces y sombras.  En El nombre esclavo, obra creada en 1632, se aprecia su predilección por los trajes exóticos, elemento característico de muchas obras de su primera época. Rembrandt fue un intérprete excepcional de la naturaleza humana y un maestro de la técnica, no solo pictórica sino también del dibujo y del grabado. Su obra produjo un gran impacto en sus contemporáneos e influyo en el estilo de muchos artistas posteriores. Es probable que no exista ningún pintor que lo haya igualado en su utilización de los efectos del claroscuro o en el empaste vigoroso.

http://es.slideshare.net/juanfranciscovi/diferencias-entre-el-arte-del-renacimiento-y-del-barroco-wolfflin-heinrich

http://losojosdehipatia.com.es/cultura/arte-2/el-espacio-el-tiempo-y-la-luz-en-el-barroco/